Этапы Возрождения на примерах итальянских живописцев

Автор работы: Пользователь скрыл имя, 07 Декабря 2013 в 06:55, контрольная работа

Краткое описание

Цель работы: Проследить этапы Возрождения на примерах итальянских живописцев.
Задачи работы:
1. Провести отбор материалов по данному вопросу.
2. Рассмотреть изменения в живописи на различных этапах Возрождения.

Содержание

Введение………………………………………………………………………………………. 3
Искусство раннего возражения……………………………………………… 4
2.1. Ченни ди Пепо………………………………………………………………… 4-5
2.2. Джотто ди Бодоне………………………………………………………..5-6
2.3. Мазаччо.
3. Искусство высокого Ренессанса.
3.1. Сандро Боттичелли.
3.2. Леонардо да Винчи

Вложенные файлы: 1 файл

Возрождение.doc

— 82.00 Кб (Скачать файл)


 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

План 

 

 

  1. Введение………………………………………………………………………………………. 3
  2. Искусство раннего возражения……………………………………………… 4

2.1. Ченни ди  Пепо…………………………………………………………………  4-5

2.2. Джотто ди  Бодоне………………………………………………………..5-6

2.3. Мазаччо.

3. Искусство высокого Ренессанса.

3.1. Сандро Боттичелли.

3.2. Леонардо  да Винчи

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Введение

 

 

Возрождение (ренессанс) - качественно новый этап в искусстве западноевропейской культуры. Цель его - переход от эпохи средне  векового виденья мира к культуре Нового времени. Переход произошел во всех областях мировоззрения и мироощущения человека: в науке, религии, искусстве. Возрождение было подготовлено и выпестовано средневековыми интеллектуалами, художниками, рыцарями, поэтами, историками. Среди определений нет общепризнанного: есть различные объяснения этом культурному феномену.

Возрождение – это  не столько совокупность произведений культуры (картины, фрески, статуи, соборы, дворцы, поэмы, новеллы), но прежде всего  новый тип мышления и религиозности, особый духовный склад и образ жизни. Творчество деятелей Возрождения проникнуто верой в безграничные возможности человека, его воли и разума, отрицанием схоластики и аскетизма (гуманистическая этика итальянцев Лоренцо Валлы, Пико делла Мирандолы и др.). Пафос утверждения идеала гармонической, раскрепощенной творческой личности, красоты и гармонии действительности, обращение к человеку как к высшему началу бытия, ощущение цельности и стройной закономерности мироздания придают искусству Возрождения большую идейную значительность, величественный героический масштаб.  В развитии культуры Возрождения различают следующие этапы: Раннее Возрождение, представителями которого были Петрарка, Боккаччо, Донателло, Боттичелли, Джотто и др.; Высокое Возрождение, представленное Леонардо да Винчи, Микеланджело, Рафаэлем, Франсуа Рабле, и Позднее Возрождение, когда обнаруживается кризис гуманизма (Шекспир, Сервантес).

Цель работы: Проследить этапы Возрождения на примерах итальянских  живописцев.

Задачи работы:

1. Провести отбор материалов по данному вопросу.

2. Рассмотреть изменения в живописи на различных этапах Возрождения.

 

 

 

 

Искусство Раннего возрождения

 

 

Началом ренессансной живописи считают эпоху Дученто, т.е. XIII века. Проторенессанс ещё тесно связан со средневековыми романскими, готическими и византийскими традициями. Художники конца XIII – начала XIV вв. ещё далеки от научного изучения окружающей действительности. Они выражают свои представления о ней, ещё использую условные образы византийской изобразительной системы – скалистые горки, символические деревья, условные башенки. Но иногда облик архитектурных сооружений так точно воспроизведён, что это указывает на существование зарисовок с натуры. Традиционные религиозные персонажи начинают изображаться в мире, наделённом свойствами реальности – объёмом, пространственной глубиной, материальной вещественностью. Начинается поиск приёмов передачи на плоскости объёма и трёхмерного пространства. Мастера этого времени возрождают известный античности принцип светотеневой моделировки форм. Благодаря ей, фигуры и здания приобретают плотность и объём.

 

 

По-видимому, первым, кто  применил античную перспективу, был  флорентиец Ченни ди Пепо (сведения с 1272 по 1302), прозванный Чимабуэ. К сожалению, самая его значительная работа – серия росписей на темы Апокалипсиса, жизни Марии и апостола Петра в церкви Сан-Франческо в Ассизи дошла до нас почти в разрушенном состоянии. Лучше сохранились его алтарные композиции, которые находятся во Флоренции и в музее Лувра. Они тоже восходят к византийским прототипам, но в них отчётливо проступают черты нового подхода к религиозной живописи. Чимабуэ возвращается от итальянской живописи  XIII века, усвоившей византийские традиции, к их непосредственным истокам. Он почувствовал в них то, что осталось недоступным его современникам, - гармоническое начало возвышенную эллинскую красоту образов.

Жесткость и схематизм  уступают место музыкальной плавности  линий. Фигура Мадонны уже не кажется  бесплотной. В средневековой живописи ангелы трактовались как знаки, как атрибуты Богоматери, они изображались как маленькие символические фигурки. У Чимабуэ они приобретаю совершенно новый смысл, включаются в сцену, это прекрасные юные существа, предвосхищающие тех грациозных ангелочков, которые появятся у мастеров XV века.

 

 

Творчество Чимабуэ  было исходным пунктом тех новых  процессов, которые определили дальнейшее развитие живописи. Но историю искусства  невозможно объяснить только эволюционным путем. Иногда в нём обнаруживаются резкие скачки. Великие художники  предстают смелыми новаторами, отвергающими традиционную систему. Таким реформатором в итальянской живописи  ХIV века следует признать Джотто ди Бондоне (1266-1337) . Это гений, высоко поднимающийся над современниками и многими из последователей.

Флорентинец по рождению, он работал во многих городах Италии. Самая знаменитая из дошедших до нас работ Джотто – цикл росписей в Капелле дель Арена в Падуе, посвященный евангельским сказаниям о жизни Христа.  Этот уникальный живописный ансамбль – одно из этапных произведений в истории европейского искусства. Вместо разобщенных  отдельных сцен и фигур, свойственных средневековой живописи, Джотто создал единый эпический цикл. 38 сцен из жизни Христа и Марии («Встреча Марии и Елизаветы», «Поцелуй Иуды», «Оплакивание» и др.) языком живописи связаны в единое повествование. Вместо привычного золотого византийского фона Джотто вводит  пейзажный фон. Фигуры уже не парят в пространстве, а обретают твердую почву под ногами. И хотя они еще малоподвижны, в них видно стремление передать анатомию человеческого тела и естественность движения. Джотто придает формам почти скульптурную ощутимость, тяжесть, плотность. Он моделирует рельеф, постепенно высветляя основной красочный фон. Этот принцип светотеневой моделировки, позволявший работать чистыми, яркими красками без темных теней, стал господствующим в итальянской живописи вплоть до ХVI  века.

Реформа, произведенная  в живописи  Джотто,  произвела  глубокое впечатление на всех его  современников.

Влияние Джотто приобрело  свою силу и плодотворность только через столетие. Художники Кватроченто осуществили те задачи, которые были поставлены Джотто. Этап Раннего Возрождения называют триумфальным периодом в истории искусства. Щедрость, размах художественного творчества в Италии ХV века создает впечатление небывалой творческой активности скульпторов и живописцев.

 

 

Слава основоположника  живописи Кватроченто принадлежит  флорентийскому художнику  Мазаччо, (1401-1428).  (Мазаччо – это прозвище, что означает примерно “Большущий Томмазо”, полное имя художника Томмазо ди Джованни ди Симоне Кассаи Гвиди), на долю которого выпала ведущая роль в живописи флорентийского Кватроченто. Так же как Брунеллески и Донателло его считают одним из отцов Возрождения. А кроме того -- гениальным, поскольку к 28 годам (когда прервалась его жизнь) он успел совершить подлинную революцию в искусстве: он смог решить те проблемы живописи, которые поставил за столетие до этого Джотто. Он освоил перспективу (но этим его новаторство не ограничилось); создал росписи в капелле Бранкаччи для флорентийской церкви Санта Мария дель Кармине (Флоренция) (1425/1427-1428), из которых самые известные – “Подать” (другое название фрески “Чудо со статиром”) и “Изгнание Адама и Евы из рая”, которые стали школой для многих поколений художников. В этих сценах Мазаччо показал себя художником, который великолепно понимал, как поместить фигуры в пространстве, придать им телесность и объем, связать их между собой, с пейзажем и каковы законы анатомии человеческого тела. Фреска “Подать” объединяет сразу 3 сюжета: Христос с учениками у ворот города, остановленный сборщиком податей, – центральная композиция; Пётр, по велению Христа вылавливающий рыбу, - чтобы достать из нее необходимую для уплаты монету (дидрахму, или статир, отсюда и другое название фрески – “Чудо со статиром”) – композиция слева. И, наконец, сцена выплаты подати сборщику -- справа. Следует сказать, что сам принцип соединения на одной плоскости трех сцен еще архаичен, но то, как эти сцены написаны – с учетом линейной и воздушной перспективы – явилось подлинным откровением и для современников и Мазаччо, и для всех последующих мастеров. Мазаччо первый решил главную проблему Кватроченто – проблему линейной и воздушной перспективы (вдаль уходят холмы и деревья, и образуют среду, в которой находятся герои. Между фигурами Иисуса и его учениками создается как бы воздушная среда). Некоторым из учеников Христа Мазаччо придал портретное сходство: так, в правой крайней фигуре современники видели самого Мазаччо, в лице слева от Христа улавливали сходство с Донателло. Фрески Мазаччо способствовали тому, что церковь Санта Мария дель Кармине превратилась в своеобразную академию, где учились многие поколения художников, вплоть до Микеланджело, также испытавшего заметное влияние Мазаччо.

Искусство Кватроченто  раскололось на множество местных “школ” – чуть не каждый город Италии (как, впрочем, Фландрии или Германии) имел собственную живописную школу. Однако слово “школа” не должно вводить нас в заблуждение. Художественных школ, в которых ученики посещают классы, в те дни не существовало. Живописные школы ХУ в. очень напоминали средневековую школу ремесла, когда ученик поступал в обучение к ведущему мастеру города, с раннего возраста жил в доме учителя, был на побегушках для всей семьи, стараясь тем самым доказать свою полезность; растирал краски, подготавливал доски и холсты, затем начинал выполнять какие-нибудь мелочи в картине, но наконец наступал день, когда хозяин просил его прописать второстепенные фигуры либо раскрасить фон, и, если это удавалось, юноше поручались более сложные вещи – самостоятельно целиком написать картину по эскизу учителя. Таковы живописные школы ХУ в. В каждой из этих школ был ясно выражен ее характер. Как утверждают искусствоведы, всегда видно где, в каком городе была написана та или другая картина ХУ в. – во Флоренции – столице Возрождения, либо в Сиене, Венеции и т.д.

Вслед за Мазаччо целый ряд художников разрабатывал проблемы перспективы, движения и анатолии человеческого тела. Это  Паоло Уччелло, Андреа Кастаньо, умбрийский живописец Доменико Венециано. Они получили в науке название перспективистов и аналитиков. Андреа дель Кастаньо обладал четким рисунком, обращался к сильной светотеневой моделировке и монументализировал фигуры (портреты Данте, Петрарки, Боккаччо), а Доменико Венециано строил образ на основе тонкой разработки цвета.

.

 

 

Характерная черта живописи позднего Кватроченто – многообразие школ и направлений.  В это время  складываются Флорентийская, умбийская (Пьеро дела Франческа, Пинтуриккьо, Перуджино) североитальянская (Мантеньи), венецианская (Джованни Беллини) школы.

Один из самых выдающихся художников Кватроченто – Сандро Боттичелли. Полное имя Боттичелли –Алессандро ди Мариано Филипееи (1445-1510). Выразитель эстетических идеалов двора знаменитого тирана, политика, мецената, поэта и философа Лоренцо Медичи, прозванного Великолепным. Двор этого некоронованного государя был центром художественной культуры, объединившим знаменитых философов, ученых, художников.

В искусстве Боттичелли происходит своеобразный синтез средневекового мистицизма с античной традицией, идеалов готики и Возрождения. В его мифологических образах происходит возрождение символизма. Он изображает прекрасных античных богинь не в чувственных обликах земной красоты, а в романтических, одухотворённых, возвышенных образах. Прославившая его картина – «Рождение Венеры». Здесь мы видим своеобразный женский образ Боттичелли, который не спутаешь с работами других художников. Боттичелли удивительно сочетал языческую чувственность и повышенную одухотворённость, скульптурную женственность и нежную хрупкость, изысканность линейную точность и эмоциональность, изменчивость. Он один из самых поэтических художников в истории искусств. Он предпочитает символические, аллегорические темы, любит мечтать, выражаться намёком.

Последние годы жизни  Донателло провел  во  Флоренции.  Мрачное  и тревожное настроение овладевает в эти годы художником. В произведениях его все чаще звучат темы старости,  страданий,  смерти

 

 

Однако среди флорентийских  художников существовало и более  архаическое направление, выражавшее консервативные вкусы. Часть из этих художников были монахами. В истории искусства они получили название монастырских. Одним из самых известных среди них был фра (т.е. “брат” – обращение монаха к монаху) Джованни Беато Анжелико да Фьезоле (1387—1455). - монах доминиканского ордена. В своем творчестве он испытал влияние Мазаччо, но наряду с чертами Ренессанса у него еще сохранились традиции средневекового искусства. Он соединил в своем творчестве средневековые принципы с ренессансными, облек традиционное религиозное содержание в новые изобразительные формы.

Фра Анжелико писал мадонн, образы которых по средневековым  традициям даны на золотом фоне, но полны лиризма, покоя и созерцательнсти. А встречающийся в его работах пейзажный фон – жизнерадостен (что очень характерно для Возрождения). Так, полны лиризма и мечтательности светлые и нарядные фрески в монастыре Сан Марко во Флоренции (1439—1445) - вершина его творчества. Фрески украшают торцовые стены коридоров и монашеские кельи. В одной из келий художник написал “Благовещение” (около 1440). Не трудно убедиться, что законы перспективы не вызывали у него затруднений.

Любимым художником Козимо Медичи был (почти) ровесник Мазаччо, флорентийский  мастер Филиппо Липпи (1406—1469). О жизни Филиппо складывались легенды. Он был монахом-кармелитом, но ушел из монастыря. Стал бродячим художником, похитил из монастыря монашенку – Лукрецию Бути (представил ее в образе мадонны),сделал ее своей возлюбленной и умер, если верить Вазари, отравленный родственниками молодой женщины, в которую влюбился уже в преклонном возрасте. С 1437 г. он открыл свою мастерскую во Флоренции. К зрелым работам мастера относятся “Коронование Марии” (1441—1447);“Поклонение Младенцу” (ок.1458—1460), выполненная для алтаря капеллы палаццо Медичи. А лучшей картиной мастера считается “Мадонна с младенцем и ангелами” (1465). В целом, Филиппо работал в жанрово-повествовательном ключе, а его мадонны были проникнуты светским духом.

 

 

 

 

 

Искусство Высокого Ренессанса

 

 

Ранний Ренессанс длился около столетия. Его завершает период Высокого Ренессанса, на который приходится всего около 30 лет. Главным центром художественной жизни в это время становится Рим.

Если искусство Кватроченто  – это анализ, поиски, находки, свежесть юношеского мироощущения, то искусство Высокого Ренессанса – это итог, синтез, мудрая зрелость. Поиски художественного идеала в период Кватроченто привели искусство к обобщению, к раскрытию общих закономерностей. Главное отличие искусства Высокого Ренессанса в том, что оно отрешается от частностей, деталей, подробностей во имя обобщенного образа. Весь опыт, все поиски предшественников сжаты у великих мастеров Чинквеченто в грандиозном обобщении.

Информация о работе Этапы Возрождения на примерах итальянских живописцев